《一一》剪輯師楊博文：剪輯是一場關于人生的“二次創作”

本文轉自：平潭IM兩岸青年影展

在平潭IM生生不息成長計劃導師公開課上，資深電影剪輯師陳博文從五十年剪輯經驗出發，分享了如何通過剪輯架構敘事、把控情緒，甚至在有限素材中挖掘出導演未曾設想的情感層次與意義空間。

作為臺灣新電影運動的重要推手，陳博文1974年畢業于藝專（今臺灣藝術大學）廣電科，歷經場記、副導等職。1979年轉入剪輯，1986年成立個人工作室，入行至今剪輯作品超過200部。代表作有電影《牯嶺街少年殺人事件》《一一》《黑暗之光》《一年之初》《念念》《暗戀桃花源》等，紀錄片《紅葉傳奇》《銀簪子》《春天許金玉的故事》《山有多高》《跳舞時代》等，其剪輯作品橫跨數十年華語電影發展史。

陳博文強調，剪輯的本質是“再創作”，而非簡單拼接。剪輯師需具備敏銳的鑒賞力與審美判斷，能夠從看似普通的鏡頭中發現潛在的表達可能，為影片注入新的生命維度。他還特別提到，剪輯師應具備豐富的生活經驗與溝通能力，才能與導演、錄音師等部門協同合作，共同完成對電影最終形態的塑造。

“剪輯沒有做不到，只有你想不到”，陳博文鼓勵青年創作者不斷在實踐與反思中積累經驗，用剪輯的力量賦予電影更多的可能性與人性溫度，在銀幕上創造出另一種可能的人生，以下為公開課現場節選。

01

剪輯的本質：再創性創作

今天真的很高興能跟這么多喜歡電影的朋友一起交流。我從事剪輯工作快五十年了，到現在還在做，因為我真的太喜歡這個工作。我們每個人都只有一個人生，走完就沒了。但對剪輯師來說，我們有“無數個人生”。

為什么？因為每次剪片，我都會把感情、情緒融入劇中每一個角色。電影走完一遍，我就仿佛也走過了那個人的人生。每個人只有一輩子，但我剪過超過兩百部電影，我就經歷了兩百多個人生——這就是我如此熱愛這份工作的原因。

你看，一般人一生所做的事，做過了就沒辦法重來。但剪輯不一樣，剪完如果我不滿意，可以一遍一遍修改，直到最圓滿、最完美。這就是剪輯最吸引我的地方：它允許你不斷重塑，直至極致。

其次，現在講到剪輯跟創作的關系，很多人會問：導演、編劇、攝影，做的都是原創性創作，而剪輯是拿別人創作的東西再處理，這也能算創作嗎？其實，創作分兩種：一種叫“原創”，一種叫“再創”。導演、攝影屬于前者，而剪輯，是“再創作”。我們拿到原始素材，通過剪輯重新編排，甚至超越導演最初的想象——這就是剪輯的創造性。

我舉個實際的例子。像有些鏡頭，原本只是試拍，導演并沒打算正式用。但剪輯師可以從這些所謂“NG鏡頭”里重新思考，甚至賦予它新的語境和情緒。

我曾經剪輯過一個片段，原本這場戲并沒有回憶的進展，我就覺得少了點什么。剛好我看到了一個試拍鏡頭，就把它挑出來，重新組接，結果影片頓時增色不少。那完全是一個試拍鏡頭。導演當時不在，是副導演讓演員走位試一下，但后來我剪這場戲時，把它用進去了。導演看完還問，我有拍這個鏡頭嗎？你怎么會用這個？

所以我說，對剪輯師來說，沒有所謂的試拍鏡頭、NG鏡頭。每一個素材都必須認真看，不能忽略。我不會有助理幫我剪輯，就是因為我要親自看過每一個鏡頭——很多細節，一不小心就錯過了，那多可惜。

每個人的生活經歷、教育背景、思維方式都不一樣。所以同樣的素材，交給不同的剪輯師，絕對可以創造出不同的故事出來。有一次我在課堂上，給學生一段80分鐘、沒有聲音的素材，是一個露天電影院的形象廣告。我讓他們自己加對白、字卡、音效，剪成一個一分鐘的故事。結果每個人剪出來的東西完全不同，都極具創意。

電影就是視覺和聲音共同組成的藝術，它們合在一起，才能震撼觀眾。用的全是同一批素材，但每個剪輯師會選取自己需要的部分，編織出他心中的敘事。這就是剪輯的力量：它能讓同樣的素材，說出完全不同的語言。

02

剪輯師的修養：欣賞之后的鑒賞

講到“欣賞”和“鑒賞”，其實不太一樣。欣賞，是我們面對美好事物——不管是視覺還是聽覺——感受到那種美，心里很舒服。欣賞是每一個人幾乎都可以具有的能力，但“鑒賞”不一樣，這個“鑒”字，本身就帶有判斷、鑒別的意思。

比如說我們欣賞一幅畫，覺得它很美。但你能不能看出它哪里還有瑕疵？如果你要做剪輯，這一點就特別重要。導演拍出來的影像，交到你手上，你能不能看出問題在哪？如果連問題都發現不了，就更談不上怎么去修正。所以鑒賞力，是一個剪輯師必須要具備的能力。

你要看得出來：是故事推進不好？構圖有問題？表演不到位？不管哪方面，剪輯師就是要負責修飾、優化。我常跟學生說：“剪輯沒有做不到，只有你想不到。”因為你沒想到，就真的做不到；但只要你意識到了，就一定要想辦法把它解決。

有一場戲是雙人舞蹈室練舞的片段，很短，只有一分鐘。我先前讓助理試著剪，剪完我來修改。當時拍攝時，導演幾乎每個鏡頭都從頭拍到尾。因為是電影，所以鏡頭角度和時長都給得比較足。

最后問題出在哪？就像我剛說的“鑒賞”。作為一個剪輯師，你能不能判斷出這段影片的問題？這個片段里，一方面是鏡頭的運用和視覺處理，另一方面，是怎么通過剪輯呈現舞者的美感——這些他沒有做到。

雖然現在沒配樂，但舞者跳的是有節拍的，“12345678”這樣。你們注意看他的節拍，雖然動作接得很順，但節拍其實不對。將來一旦配上音樂，問題就出來了，必須重剪。而且，一直用半身鏡頭，視覺會很疲勞。

拍是這樣拍，但剪輯師不能只會說：你就這樣拍，那我怎么辦？。剪輯師的基本修養，正是要把沒那么理想的素材，盡最大可能剪好。你要是不具備這種能力，就很容易被取代。如果導演怎么拍，你就怎么剪，那誰不會剪？你要靠什么去跟別人競爭？所以美感能力、聽覺品味，都非常重要。

剪輯師得靠你的美感和節奏感，去幫助導演彌補不足。后來我重新修了一遍。我讓他看起來像是轉了圈，舞蹈頓時好看很多。他們這個舞最精彩的就是跳起來空中停留的瞬間，所以我做了慢動作。可能有人會問：正常節拍都抓不準，還做慢動作？原來只有五個鏡頭，我擴展成十個，空中變成慢動作之后，節拍反而對了。

這就是剪輯師該有的能力——你不能說“導演你就拍這樣，那我也沒辦法”。最后的責任，往往是在剪輯這里。

03

看不見的剪輯藝術：結構與情緒

我常跟學生說，別太計較剪輯能不能得獎，因為沒人知道那是你的功勞還是導演的。大家總會覺得，“本來拍得就好”“劇本就寫得好”，剪輯只是順了一遍。所以后來我對獎項看得很淡，我更享受剪輯本身帶來的快樂。真正懂你能力的，只有導演。

其實我年輕時也很在意名利。早期我剪的都是商業片，后來開始與新銳導演合作，楊德昌也來找我。我當然很開心，盡力剪到自己最滿意。我覺得尤其在情緒把控上，我幫了楊德昌很多忙，他自己也認可，所以后來他的片子基本都交給我剪。

但那一年《牯嶺街少年殺人事件》入圍金馬獎12項，幾乎什么都進了——就只有剪輯沒進。那時對我打擊很大，甚至懷疑自己是不是能力不夠。楊導后來安慰我：“不要在意，你已經是最好的了。”從那以后，我真的不那么在意獎項了。評審怎么知道剪輯師貢獻了多少？他們只看成片順不順、好不好看。但如果你做剪輯，就別太指望別人理解——你得自己清楚自己的價值。

楊德昌的電影結構非常嚴謹，劇本幾乎無懈可擊。剪輯之所以花時間，常常是因為結構——如果結構不穩、故事沒講好，剪輯階段就等于要重新建構敘事。

寫一個劇本可能要花一兩年，你可以天馬行空，隨時修改。但剪輯不一樣，你拿到的是固定素材，必須在這個范圍內重新把故事講好，還講得動人。你沒辦法隨意添加，只能靠既有鏡頭去重構——不能動不動就叫導演補拍。這才是最考驗人的地方。如果整部片的結構出了問題，剪輯階段也沒辦法花一兩年去重構，必須在很短時間內做出判斷，重新梳理出一個流暢而有感染力的版本。

很多人來問我《一一》里面車站這一段，這場戲是講主角在日本與初戀阿瑞約會，而同一時間，在臺灣，他的女兒也和男朋友在臺北約會。導演楊德昌當時是分開拍成兩場戲，劇本也是兩場。但到我手上剪輯的時候，我先按兩場剪，可怎么看都覺得不夠好。但我總感覺兩段之間缺了點什么。

后來我跟楊導說，讓那個顧慮的感覺、那種情況、那種景象、那種意境會有一種聯結，我覺得這個還蠻重要。他讓我試試看。我就把兩場戲交叉剪輯在一起，變成現在大家看到的版本。楊導看了也覺得很好，就同意了。

這樣父女之間的情感就呼應上了，整體更有味道。這就是剪輯該做的工作。跟楊德昌合作，我經常幫他把握情緒點。他習慣長鏡頭，可是到底要在哪里剪、哪里的點剪，你能夠不能掌握到那種很準確的情緒，這其實是很重要。

04

剪輯師的內在沉淀：團隊溝通與經驗積累

《一一》最后，主角在日本和初戀分別，一個人蹲在海堤邊的鏡頭非常長。這個鏡頭到底留多久？導演不會告訴你，全靠剪輯師把握。5秒太短像轉場，20秒、30秒，一分鐘甚至兩分鐘，甚至3分鐘——只要情緒到位，都可以。關鍵在于你賦予它什么樣的感覺。

對剪輯來說，一定要把聲音考慮進去。如果畫面很安靜，你停留20秒、30秒，觀眾是能感受到那種情緒的。但如果40秒、50秒還是完全安靜，觀眾可能就沒有辦法接受。這時如果加上海浪聲，氛圍就可以支撐，情緒就能延續更久,可以支撐到40秒左右；如果有音樂，撐一兩分鐘也沒問題。

所以你在剪輯時，你賦予給當初的影像、整個情況是什么樣的一個感覺，自己是否有什么設計的考慮。如果你要一個鏡頭放很長，那可以跟錄音師溝通。如果又沒有和他溝通的話，他會覺得你怎么一個空鏡頭會放個兩分鐘。如果沒有配上合適的聲音，到時候這段影片一放，會很沉悶的，變得不好看。所以這個溝通是非常重要，包括跟導演的溝通、和錄音師的溝通。

《一一》劇照

同時，不只是剪輯技巧的問題，還要看剪輯師有沒有足夠的生活經驗、知識背景，來幫助導演彌補漏洞。

有一場戲只有兩個鏡頭，非常簡單。是有一對兄弟，穿白衣服的是弟弟。他們父母很早就不在了，哥哥辛苦把弟弟帶大，弟弟也很孝順。后來哥哥積勞成疾，中風臥床。這一場是弟弟幫哥哥擦洗身體的戲，就兩個鏡頭。一開始是哥哥躺著，弟弟把他扶起來。看起來好像沒什么問題，挺自然的。

我當時剪的時候就直接問，穿幫了，看出來沒？哥哥長期臥病在床，背怎么可能那么健康、膚色那么均勻？導演一聽，也真的覺得是這樣。

所以就像我一直強調的，剪輯師首先得有能力發現問題。如果你看不出來，就算一萬個人看了，九千九百九十九個都說沒問題，那大家就真的覺得沒問題。但只要那萬分之一的一個人點出來，大家就會注意到真的是這里有問題。

那發現問題了，怎么解決？你沒有能力，就只能叫導演補拍一個背部的鏡頭替換掉。但如果你有辦法，就用現有素材把它修好——這才是真本事。

演員的背有問題，剪掉不就行了？說起來簡單，但關鍵是——你想沒想得到？想得到，就是創造；想不到，就只能模仿。這就是創造和模仿的差別。

我們為什么要一直看片、一直創作、一直超越自己？就是為了積累與沉淀。你看到了，就學到了；下次，你就會了——這一點，非常重要。

05

觀眾問答

觀眾1：

陳老師好，我本人非常喜歡《一一》這部電影，所以今天特別榮幸能聽您分享創作背后的思考。剛才您說到，很多人——不管是導演還是剪輯師——常常很難發現問題。是不是可以理解為，當一個剪輯師水平到了一定程度，能敏銳地發現問題，他就有更大可能成功？另外，不知道您有沒有考慮過從剪輯轉型做導演？謝謝老師！

陳博文：

我想我不做導演，有很大一部分原因，是因為剪輯和導演根本是兩種不同方向的工作。導演要承受的壓力、要面對的溝通強度，非常大。我不太擅長跟那么多人溝通，所以自覺不太適合做導演。

導演需要的是一種“原創力”，而剪輯師更靠“聯想力”。我雖然不擅長從零創造，但我的聯想力很好——導演給出一個東西，我能從中延伸出很多方向，提供給他參考。這就是剪輯最該具備的能力。

其實我剛進電影圈頭兩年也是在拍片現場，但后來我決定轉做剪輯。這是因為我發現：哪怕導演構想再好、想得再完美，電影終究是一個團隊作品，不是你一個人能全包辦的。你必須依靠團隊——攝影、演員、美術……如果團隊跟不上你的想法，就會不斷給你“扣分”。

這個鏡頭拍不到你要的感覺，拍一次、兩次、十次、二十次，要不要妥協？不妥協，燒的是時間和錢；妥協了，作品就要掉一分。演員扣一點、攝影扣一點、美術再扣一點……七折八扣，最后可能只剩90分。

大家會覺得90分很高，但只有導演自己知道，我明明可以100分的，為什么現在只有90？雖然于心不甘可是你不得不接受這個事實，我就是沒辦法接受那種不完美是因為別人造成的，所以后來我選擇做剪輯，因為剪輯更能掌控全局。

做剪輯，雖然外人常不知道剪輯師貢獻了多少，但導演知道，我自己也知道。我能幫到這部電影，我就很開心。工作嘛，自己開心最重要。活得開心才最重要。我享受的是工作的樂趣，而不是得獎的掌聲光環。

觀眾2：

博文老師您好，剛剛聽了您的分享很受啟發。我自己也是導演，習慣自己剪片子，我想從剪輯師的角度請教您：一部戲由導演自己剪，和專業剪輯師來剪，到底會有什么不同？您對我們青年導演有什么建議？

陳博文：

我的建議是：只要有機會，一定要找一個好的剪輯師合作，千萬不要自己剪。因為自己剪會有盲點。

你自己當導演，再看自己的素材，很容易“看不清”。你會覺得：“故事本來就是這樣，節奏就該是這樣。”就像剛才擦背那場戲，導演自己看根本不會覺得有問題。但我就能看出來，為什么？因為我照顧過病人，我知道長期臥床的人背不該是那樣。我把我的生活經驗用來幫導演發現問題、解決問題。

所以青年導演千萬不要自己剪，一定找專業的來。就算他剪得你不完全滿意，也能給你很多參考。何況現在是數碼剪輯，調整起來非常方便。

剛才提到傳統剪輯和數碼剪輯。傳統剪輯時代，每一個剪點都要想得很清楚，為什么這要剪、為什么要剪在這一個點、為什么接那個鏡頭，判斷非常精準。但現在很多年輕人靠感覺剪，他們沒有好好去想“為什么”，這才是問題。不管你用傳統還是數碼，關鍵是你有沒有理由、有沒有想法。

但我仍然推薦數碼剪輯，因為它修改方便。傳統剪輯因為修改麻煩，剪輯師有時不得不向導演妥協。但現在不一樣，你可以嘗試各種方案，甚至剪兩個版本——一個導演版，一個剪輯師版，拿給十個人看。如果七個人喜歡剪輯師的版本，三個人喜歡導演的，不代表七個人一定對，但至少你有了比較和選擇。你要賺七個人的錢，還是堅持給三個人看？導演自己判斷決定。

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