讓我們燃燒吧！在音樂現場

演出者眼中的LIVE MUSIC

那是令人上癮的“限定體驗”。錄音室里追求的永恒與精準，在演出現場都化為正在進行時。以下，是LIVE MUSIC演出者回春丹、于貞和AK劉彰與我們分享的音樂現場時刻。

回春丹：

用默契，讓現場燃燒而璀璨

“臺上的我，是另一個人。”

回春丹樂隊的主唱劉西蒙毫不猶豫地說。

“我覺得在臺上會放大某部分的自己。”

吉他手韋高飛補充說。

貝斯手郭澤群也覺得臺上、臺下的自己好像不是同一個人，但這種切換幾乎不靠什么特別的“準備”，仿佛是自然而然的。

采訪時，他們話不算多，而舞臺上，他們顯然是另一種存在。

回春丹

獨立搖滾樂隊，成員包括主唱劉西蒙、吉他手韋高飛、貝斯手郭澤群，代表作品《鮮花》《艾蜜莉》《興奮到死的東西》《正義》。

回春丹2025年“大把時間璀璨”演唱會主視覺概念海報

回春丹“大把時間璀璨”演唱會的海報視覺中心，是一顆正在燃燒的“丹”——它像是從地下升騰的意志，也像是正中心靈的一枚子彈，成了此次演唱會一切視覺與聲音表達的錨點，向外發射出屬于獨立搖滾的情緒。“我是寫完歌后，還一直不知道這張專輯應該叫什么名字。”主唱劉西蒙說，“后來看到一件衣服，上面印著六個字——大把時間璀璨。我一看就覺得很貼切。”

這就是回春丹的浪漫，隨機與詩意總是在他們的表達中并存。

創作時，劉西蒙通常會先制作一個包含歌曲結構、器樂solo的demo作為“骨架”，再由樂隊成員調整補充各自擅長的“血肉”。“我丟個骨架給他們，大家覺得不錯就沿用，有改動空間就調整。”就像他們的音樂風格，也從不刻意標注自己屬于哪個流派，從70年代的英式搖滾，到80年代的Disco，再到90年代的Grunge，每個時代他們都“吸收一點”，除了重型搖滾，“其他的多少都有點影響。”

回春丹的演出中總出現“拉闊”一詞，這來自廣東話“Live”的諧音，卻遠不止是“現場”的翻譯。在他們的語境中，代表的是一種不設限的能量擴張：借助音樂的即時感，與成員們默契互動、與觀眾近距離共振。

排練時，他們幾個人會拿著樂器一起討論，嘗試在表演的歌曲中做一些小改動，讓演出更有亮點，或者更“應景”一些。而真正站上舞臺的時候，即便是剛剛換的新和弦，大家配合起來也特別自然，就像吉他手韋高飛所言，“在臺上，彼此一個眼神就懂什么意思”。而面對現場的觀眾，即便已演出了那么多年，劉西蒙也還是保有那種面對現場觀眾的“害羞”狀態，“我大部分時間不太好意思直視觀眾，會有點不好意思，所以更多是完全投入在表演狀態里。”但這并不影響他們在現場對觀眾情緒的調動力，通過音樂的純粹表達與觀眾交流，也是他們與現場觀眾的獨特默契。

回春丹從欽州出發，唱過小酒館、Live house，也走出家鄉，站上越來越大的舞臺。但問及今年印象最深刻的表演現場，三個人還是極其一致地回答，是在家鄉廣西欽州舉辦的《風生水起:北部灣》—— 那是他們的首場室外演唱會。這其中也許還包含著一種與現場演出環境的默契，“沒有太多急躁，你愛吃的、你熟悉的都在，就很有安全感。就像我們在現場說的，這是一場大家來到家里看的演出。”

關于現場演出，他們的某時某刻

《時裝L'OFFICIEL》：你們認為現場和錄音棚最大的區別是什么？

回春丹：錄音棚錄音時狀態會更嚴謹、更緊繃一點，現場演出時可以“更野一點”。在Live house演出能體會到與觀眾近距離時人擠人的感覺，而音樂節的人就更多了，但核心還是和現場觀眾的互動有關。

'O：你們印象最深的現場演出是哪一次？

回春丹：我們都覺得最難忘的是欽州那場《風生水起:北部灣》的演出，是在我們家鄉廣西舉辦的。因為那次我們幾個人一起了把控很多演出細節，所有人抱著把一件事情、把一次舞臺做好的共同目的一股勁往前沖，讓我們覺得非常爽！

'O：你們分別是從“哪一時刻”開始對音樂感興趣，并產生組樂隊的念頭？

主唱劉西蒙：小時候學的是鋼琴，天生對節奏比較敏感，所以高中時選擇了學打鼓，然后一進大學就開始組樂隊打鼓了。2016年我大學畢業后決定繼續玩音樂，因為我自己喜歡這個東西，就試著寫歌、唱自己的歌，之后就做了主唱。

吉他手韋高飛：吉他從小就有學，但電吉他是2019年才開始練的。讀書時就一直想玩樂隊，但可我生活的環境其實沒有太多的條件，家里人也聽不懂你在干什么，哈哈。但即便在比較局限性的環境里，我遇到了一些聊得來、審美一致的朋友們，還是很有動力繼續的，玩樂隊很開心。

貝斯手郭澤群：一開始學的是古典吉他，十七八歲才彈貝斯。當時想玩樂隊，他們就讓我去當貝斯手，這時我才了解了貝斯，就像是被忽悠著就開始彈貝斯了。貝斯入門比較簡單，彈過古典吉他很快就能上手，而且它不用接太多效果器，不必用各種音色去修飾，原汁原味的聲音就能很好地表達出我想表達的東西，我喜歡這種相對來說比較純粹干凈的聲音。

'O：最新專輯《大把時間璀璨》的制作過程有哪些新嘗試？

回春丹：這次更偏向DIY，錄音在自己舒服的環境完成，比如常去的錄音棚、家里、朋友的鼓房，混音也交給團隊自己人，并保留了一些小瑕疵和彩蛋，聽起來會有更真實的感覺。

于貞：

用我的現場，重新定義粉色

現場，能將聲音與舞臺設計有機結合，把無形旋律之上的完整概念視覺化。觀眾的聽覺、視覺與觸覺被調動，感同身受她想唱出的一切。

于貞

說唱歌手

于貞2025年的“PINK”巡演從南京出發，一路去往廣州、深圳、上海等城市，巡演歌單中的三個主題皆與“粉色”相關：粉色的本身、粉色的謊言、粉色的火焰。

“PINK”是她此次巡演中最具標志性的作品之一，也是首徹頭徹尾的“于貞式”創作：溫柔又鋒利，敘事又詩意，隱含女孩內心的糾結與覺醒。于貞用擬人方式塑造了一個粉色的角色：“她最初是天真單純的顏色，后來被騙、被洗腦，成了所有人眼中‘溫柔可愛’的代名詞，忘了自己本來的模樣。”她在歌詞中寫道：粉飾了太平，粉色掩蓋被靜音的哀鳴。如果你能聽見，送她回我身邊。這首歌是她對“粉紅稅”與性別刻板印象的回應，“我不想寫得太直接，我想讓人聽完后，有‘慢慢醒過來’的感覺。”

于貞2025年“PINK”巡演主視覺概念海報

本次巡演的舞美裝置設計，同樣如“PINK”這首歌般充滿寓言色彩，將整個線下音樂現場納入于貞的概念敘事場域。現場，調動著視覺、聽覺與觸覺，粉色的造型、粉色的燈光、漫天的粉色彩片落到每個人身上......觀眾們浸入由旋律構造的粉色夢境。觀眾們真的在其中‘慢慢醒過來’，看到了粉色的無限可能性，聽懂了于貞想唱出的一切——關于如何成為一個不斷修復自己的人，一個尋找自由表達可能性的創作者，一個不被定義的女性。

于貞的作品總有極其獨特的氣質，她的歌詞里沒有控訴，現實往往被重寫成寓言。“我的歌里，負能量的東西不是沒有，只是我希望是把負面情緒整理好再拿出來”，她說，“我不想再寫傷口，我想寫愈合。”

最近，她在籌備一張主題與“家庭”相關的EP，“這是比較私人的情感，所以寫起來很慢，但我很想完成它。”寫一首歌，她最舒服的節奏是一個月：十天“什么都不干”地觀察生活、想主題，隨后十天寫作、十天修改。靈感會隨時光臨，比如某次聽到一句“傷心的人別聽慢歌”，她順著這個想法寫下了自己的版本：“快樂的人愛跳舞，有夢想的人愛唱歌，悲傷的人聽著有夢想的人唱歌，看著快樂的人跳舞，寫下晦澀的文字。”她把這些記在備忘錄里，說不定哪天就會變成一首新歌的主軸。

她知道，舞臺上的高光時刻之后，生活終歸是回到一個人獨處、寫歌、思考的節奏。臺上臺下，是兩個于貞。一個表達、燃燒、釋放；一個沉默、觀察、反思。

關于現場演出，她的某時某刻

《時裝L'OFFICIEL》：現場演出最有魅力的地方在于？

于貞：印象比較深的是在Live House演出，因為觀眾和演出者離得特別近，可以近距離觀察彼此，我看臺下大家的反應，他們也能看清我在臺上的一舉一動，這種親切感是大型演唱會沒有的。另外票價門檻低些，能讓更多人輕松參與。

'O：那你還記得第一次在Live House演出的情景嗎？

于：記得！是某次當巡演嘉賓，唱《粒子們》時，臺下觀眾都舉起手機電筒為我打光，第一次看到這么多人為我做這個動作，那種被回應的感覺很難忘。后來每次見到這樣的一幕，幸福感都很強。這種即時的互動感很重要，觀眾越熱情，我在臺上表演也會更有熱情。

'O：你會去看別人的演出嗎？會從中學到什么嗎？

于：會的。今年看了Tori Kelly演出，她的唱功、舞臺表現力都超強；還看了Lady Gaga的現場，我會學習她短時間內迸發高能量的舞臺狀態；還有蔡依林，我會關注她對每首歌舞臺的設計，以及“少說話多表演”的節奏。以前我演出愛和大家嘮嗑，后來調整成兩首歌間隙只說一兩句話，體驗確實更好。

AK劉彰:

現場充滿挑戰，于是我加速成長

“其實中國觀眾的基數很大，但我們自己的音樂現場還不夠‘卷’，還有更多靈感想在舞臺上釋放。”

AK劉彰

歌手、唱作人

在近期開播的男性全景音樂競演綜藝《披荊斬棘2025》中，劉彰首次挑戰“唱演結合”的舞臺形式。與過往音樂節等強互動的表演形式不同，這類沉浸式演繹的舞臺更考驗表演者信念感——歌曲與表演深度融合，演唱者要“吃透”所塑造人物的細節，才能讓舞臺上的每個動作、眼神都自然連貫，“走位環節都要保持在角色狀態里才行！” 嶄新的演出形式充滿挑戰，劉彰就在一次次競演環節中持續“接招”——“哪怕進度慢一點，我也會認真去學，現在我發現自己的演出狀態有了明顯進步！”

除了拓展更多元的音樂表演能力，《披荊斬棘2025》的舞臺給劉彰帶來了更多心態上的轉變。“以前，粉絲、團隊、家人給我很多正能量，但我很難把能量聚起來，像沒關上排水閥的浴缸，無論怎樣灌水，總有部分流失。”我們不妨說，過去這些支持來自內部，而一次次現場競演，更像是他獨自面對外部挑戰時逐漸確立信念、填補內心裂痕的過程，“我一直帶著要在節目中‘生存’下去的心態去拼。當在節目里越走越遠時，我更確定自己有資格留在舞臺上。不是說我比誰好，而是比以前的自己更好。我看到了自己的可能性，也變得自信了。”劉彰意識到，“相信自己就是最強的武器”——無論他之后還將會面對怎樣的舞臺。

現場演出就是有如此神奇的力量，它是挑戰，更是實時反饋，以此激發表演者更與時俱進、更多維的創作表達。

上半年，劉彰曾在音樂節上唱過一次新歌《半碗熱情》的初版，歌曲內核呼應今年第一季度普遍的社會情緒—帶著點埋怨的苦笑。“但現在我的心態變了，焦慮時我會學習斯多葛學派的理念，把注意力放在當下能做好的事上，而非糾結那些不確定的事。”于是，劉彰修改了《半碗熱情》的歌詞，給最新版設計了更豪放的結尾—不是雞湯，而是給人希望 ：“但我卻總難以麻木，痛也不會怕輸，開心我就往前大步，難過也會大哭。”未來，他想在《半碗熱情》的現場加入更多新的呈現形式，“我會請老師現場彈貝斯，讓音色更有刺激性，同時調整編舞，讓舞臺更好玩。”

每個現場都是挑戰，而他將越來越有“征服欲”。

關于現場演出，他的某時某刻

《時裝L'OFFICIEL》：分享一段你印象深刻的現場演出經歷？

劉彰：八月初我參加的喀什絲路明珠音樂節。音樂節這種非專場演出，臺下觀眾并不全是你的粉絲，現場反應像是即時的舞臺檢驗。那場很多觀眾之前都對我不熟悉，但卻非常熱情，一直在回應我的律動和節奏，還有男生對我尖叫：“AK好帥”。我的新疆演出vlog下還涌進了不少新粉絲，他們歡迎我下次再去新疆，我很開心，看來我的舞臺還是打動了很多人的！

'O：有什么現場演出上臺前的“小儀式”嗎？

劉：偶爾我上臺前還是會緊張，這時我會默默幻想：如果是我喜歡的游戲人物，他此刻會怎么做？或者想象這個人物正在我身旁為我加油。可能聽著有點“中二”，但對我來說是挺有效的心理調節方式。

'O：有什么小貼士想對來看你現場演出的粉絲分享？

劉：來現場之前可以稍微背一背副歌的詞，完全沒什么“考核”的意思，是因為副歌時大家大合唱的氛圍特別好，如果你能加入進來的話，肯定會玩得更開心！